La escucha durante el Covid, parte 12: aventuras en la diversidad étnica y nacional

Por Ralph P. Locke

Honestamente, estoy desconcertado por la aleatoriedad o, a veces, la ferocidad con la que algunas personas hoy en día rechazan la música clásica como inherentemente estrecha o elitista.

Stella: gemas del Renacimiento y sus reflejos, vol. 3. Obras corales a cappella de e inspiradas en el maestro del Renacimiento español Tómas Luis de Victoria. AHORA Cantantes, dir. Suzi Digby. Harmonia Mundi HMM 905341.

Un Milagro de fe. Obras corales sacras de Bilbao, Ramírez, Williams y Golijov. Coro de Paso Fronterizo y Conjunto Instrumental, dir. Ahmed Anzaldúa. Registro de puente 9568.

Odisea del violín. Itamar Zorman, violín; Ieva Jokubaviciute, piano; Kwan Yi, piano. Registro de primera mano 119.

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El mundo de la música clásica, o «música de arte occidental», ha sido durante mucho tiempo un mundo altamente multicultural, rico en lo que ahora se llama «diversidad» étnica. Compositores del norte de Europa (como Josquin, Handel y Mozart) fueron a Italia a estudiar y hacer carrera. Músicos bohemios (como Gluck y Johann Stamitz) tocaron y publicaron sus obras en Viena y París, a veces (como en el caso de Gluck) trayendo consigo elementos de la música de Europa del Este. En el siglo XX, compositores desde Rusia hasta Japón intrigaron los oídos de los oyentes en salas de conciertos (Stravinsky) y cines (Toshiro Mayuzumi, en la banda sonora de la película de John Huston La Biblia: en el principio). Y, por supuesto, hay compositores como Debussy y Britten que han estado enormemente atentos a las tradiciones musicales de países lejanos (España, América e Indonesia en el caso de Debussy; Japón y Bali en el caso de Britten). El mundo se ha vuelto aún más pequeño en las últimas décadas, gracias a Internet. Los artistas emprendedores ahora pueden obtener fácilmente partituras de países lejanos, o incluso encargar nuevas piezas a un compositor que admiren.

Tres CD que se me han unido recientemente se extienden ampliamente en su búsqueda de sonidos nuevos y desconocidos. Cada uno logra crear una experiencia significativa de la duración de un concierto grabada en la superficie de un disco de plástico (o, por supuesto, accesible mediante descarga o transmisión).

El primer CD es de los aclamados ORA Singers. Este conjunto vocal con sede en Londres fue fundado por la directora y directora de arte Suzi Digby hace solo seis años, pero ya ha encargado alrededor de 50 obras nuevas a compositores de todo el mundo, incluida una mezcla de mujeres y hombres y una mezcla de nombres familiares (John Rutter y Roxana Panufnik, ambas de Inglaterra) y bastante desconocidos, incluidos algunos que nacieron, o cuyos padres nacieron, en tierras lejanas a Europa (por ejemplo, Eunseog Lee, de Corea del Sur).

ArtesFusible los críticos Susan Miron elogiaron un CD de ORA Singers con ajustes de letras del Cantar de los Cantares, que incluía dos piezas recién encargadas. Este álbum es el tercero de una serie titulada «Renacimiento gemas y sus reflejos». El compositor renacentista en el centro esta vez es Tomás Luis de Victoria, un maestro español muy al nivel de Lassus (nacido en la actual Bélgica), Palestrina (Italia) o Byrd (Inglaterra), pero sus obras no suelen ser interpretadas por coros casi tan a menudo como el de ellos.

Digby agrega seis piezas modernas, cada una de las cuales responde de alguna manera a una pieza de Victoria, y agrega más coherencia al elegir piezas que se refieren a la Virgen María. El disco comienza y termina con uno de los cantos gregorianos más bellamente construidos, el procesional «Ave maris stella» («Ave, estrella del mar»).

Me llamaron especialmente la atención las piezas de Mark Simpson («Ave María») y Cecilia McDowall («Alma redemptoris», obra caracterizada por acordes neomedievales sin terceras partes y ritmos jazzísticos sincopados) y me llamó la atención repetidamente la confianza con los cuales ORA Singers, bajo la dirección de Digby, comunican las texturas cambiantes y, a veces, sorprendentes rondas de armonía en estas y otras piezas modernas.

En un momento de Los Simpson, quería más peso de la sección de bajos. Pero tener solo unos pocos cantantes en cada lado es, por lo demás, un valor positivo en este disco, ya que te permite definir claramente los acordes, a pesar del hermoso eco de la iglesia del norte de Londres donde se realizó la grabación (en 2017, pero ahora lanzada por primera vez). ). Y agradecí poder seguir sin esfuerzo las líneas melódicas líquidas que se superponen en las seis canciones de Victoria incluidas aquí.

En nuestro segundo CD, un joven violinista israelí magistral que ahora enseña en la Escuela de Música Eastman, Itamar Zorman, no ofrece obras recién encargadas, sino que continúa lo que él llama una Odisea del violín, tratando de encontrar piezas particularmente notables en muchos países distantes. desde 1900 en adelante. Su gusto es impecable: inmediatamente me gustó cada pieza. Algunos de los nombres son familiares: Achron (compositor judío de San Petersburgo, Rusia), Silvestre Revueltas (mexicano), Erwin Schulhoff (judío de habla alemana de Praga) y William Grant Still (uno de los compositores negros estadounidenses más famosos; él también fue un importante orquestador/arreglista de grupos de jazz como el de Artie Shaw).

Pocos oyentes pueden conocer a Grażyna Bacewicz (Polonia), Dora Pejačević (Croacia), Gao Ping (China), Gareth Farr (Nueva Zelanda) o Moshe Zorman (Israel), pero apuesto a que estarán felices con este conocimiento. (Moshe Zorman es el padre de Itamar, profesor de composición en Tel Aviv). Una serie de sorpresas sorprendentes provienen del compositor Ali Osman (1958-2017), un compositor sudanés que recibió la mayor parte de su formación en Egipto.

Todas las piezas son originalmente para violín y piano, excepto la de Achron. suite para niños, originalmente para piano solo. Zorman toca un efectivo arreglo de 1934 del gran Jascha Heifetz.

Muchas de las canciones ofrecen un intenso «color local»: por ejemplo, el elegante Oberek de Bacewicz (una mazurca rápida), el movimiento «Caravan» de Achron, las canciones intensamente latinas de Revueltas y las secciones improvisadas de Osman. Afromood, que utilizan diversas modalidades propias de la música árabe. (La obra incluye un papel protagónico para la pandereta, claramente de inspiración mediooriental riq.) La única pieza sin acompañamiento, de Gareth Farr, se inspiró en «un antiguo cuento popular maorí» que representaba la marea creciente del lago Wakatipu como «el corazón palpitante de un monstruo que anhela a su amada».

Sonata No. de Pejačević. 2 (1917), subtitulado «Slav», no suena tanto a Europa del Este como a un posbrahmsiano maduro y palpitante, y eso me parece bien. Es tan efectivo como uno de mis trabajos favoritos en ese estilo: Sonata para viola de Karl Weigl de 1940que, incomprensiblemente, aún no se ha ganado un lugar en el repertorio permanente.

Durante este viaje de aventuras, Itamar Zorman, quien ganó el Primer Premio en el Concurso Internacional Tchaikovsky 2011 (Moscú), juega con total maestría y sutil variedad. Zorman cuenta con el apoyo de primer nivel de sus pianistas: Kwan Yi en tres temas (Achron, Osman, Schulhoff) e Ieva Jokubaviciute en el resto. (Se me ocurre que los tres artistas mismos forman un pequeño musical de las Naciones Unidas, y veo en sus biografías que cada uno ha hecho su propia «odisea» a través de aguas y fronteras). Para extractos breves de muchas de las piezas, aquí está una gran muestra de YouTube (solo audio).

Nuestro tercer CD está más «geográficamente» unificado, estando dedicado a obras sacras de compositores o utilizando temas relacionados con América Latina. Los textos cantados provienen principalmente del Nuevo Testamento o de la Misa Católica (traducida al español). Un texto, en inglés, habla de San Martín de Porres, quien vivió en el Perú del siglo XVII y cuya madre era una esclava libre de origen mestizo negro e indígena. Las actuaciones del disco se grabaron en agosto de 2021 en una iglesia unitaria en St. Paul, Minnesota, y cuentan con un coro (y un conjunto instrumental) con el nombre humorístico «Border CrossSing».

El más conocido de los cuatro compositores aquí presentes, Osvaldo Golijov (de Argentina), ofrece dos breves movimientos de su muy admirada obra del año 2000 titulada Pasión según San Marcos, que es La Pasión según San Marcos. (CrosSing interpretó esta ópera de Golijov en su totalidad con la Orquesta de Minnesota). Hay dos obras sustanciales y efectivas de la fallecida y renombrada pianista estadounidense de jazz negro Mary Lou Williams (esta es la pieza sobre el santo peruano) y la destacada compositora venezolana Beatriz. Bilbao (nacido en 1951). La pieza de Bilbao es una evocación atmosférica de una reunión municipal en Curiepe, Venezuela, con cantos de pájaros, tambores picantes y algunos cánticos rituales asociados con un festival que se celebra cada 24 de junio desde el siglo XVII en honor a una conocida leyenda africana como San Juan Congo (o, desde 1870, en honor a San Juan Bautista).

La pieza central es una interpretación completa del famoso señorita criolla (1964) del compositor argentino Ariel Ramírez. Esta obra, para tenor solista, coro mixto y pequeña orquesta, es bastante flexible, habiendo sido grabada con bastante eficacia por músicos folclóricos (en un famoso LP de Philips), el tenor de ópera José Carreras y la cantante de cabaret y activista política Mercedes Sosa. Se pueden escuchar dos movimientos en una versión puramente instrumental. clarinetista klezmer Giora Feidman.

por Ramírez señorita criolla utiliza el texto misa tradicional en latín pero traducido al español según las directrices del Concilio Vaticano II. Aquí sentí que la pieza había encontrado un hogar tranquilo y respetuoso en una pequeña iglesia o tal vez en la capilla de una universidad, con el tenor Matthew Valverde cantando suave y constantemente (sin gran tambaleo de ópera). El pianista mexicano Ahmed Anzaldúa (un miembro de su familia proviene de Egipto) y el guitarrista boliviano Gabriel Blondel brindan una cadencia que da vida a los interludios instrumentales en este trabajo siempre atractivo.

Habiendo escuchado los tres discos repetidamente, estoy honestamente desconcertado por la aleatoriedad o, a veces, la ferocidad con la que algunas personas hoy en día rechazan la música clásica como inherentemente estrecha o elitista. Compositores de todo el mundo nos han ofrecido los productos de su fértil imaginación. Ahora, más fácil que nunca, podemos escuchar lo que tienen que decir.

También puedo mencionar, con placer, que cinco de las canciones antes mencionadas, todas sustanciales y recién imaginadas, fueron compuestas por mujeres.

Ralph P Locke es profesor emérito de musicología en la Eastman School of Music de la Universidad de Rochester. Seis de sus artículos han ganado el premio ASCAP-Deems Taylor a la excelencia en la escritura musical. Sus dos libros más recientes son Exotismo musical: imágenes y reflexiones Y La música y lo exótico desde el Renacimiento hasta Mozart (ambos Cambridge University Press). Ambos están ahora disponibles en rústica; el segundo, también como libro electrónico. Ralph Locke también contribuye a Guía del récord americano y revistas de arte en línea Artes de Nueva York, operar hoyY El inteligente musical de Boston. Sus artículos han aparecido en importantes revistas académicas, en Música en línea de Oxford (Grove Dictionary) y en los libros de programación de los principales teatros de ópera, como Santa Fe (Nuevo México), Wexford (Irlanda), Glyndebourne, Covent Garden y Bavarian State Opera (Munich).